Казахстанские и петербургские художники: диалоги сквозь пространство и время Текст научной статьи по специальности «Искусствоведение»

УДК 7.036

О. В. Батурина С.М. Грачева

Казахстанские и петербургские художники: диалоги сквозь пространство и время

Статья посвящена международной художественной выставке «Арт Дала: диалог сквозь пространство и время», прошедшей в Национальном музее Республики Казахстан в Астане в рамках всемирной выставки Экспо-2017. Выставка объединила 100 картин 33 художников из 10 стран, чье творчество стало знаком времени. Диапазон тем, сюжетов, стилей и направлений выставки, так же как и география авторов широки и разнообразны. Название выставки не случайно. Ее главная идея - проявить полифонию голосов современной живописи, показать созвучие дискурсов. Космос национальной культуры - безграничный, живой, полный энергии созидания, в котором сохраняются и продолжаются культурные коды и архетипы национального самосознания.

Ключевые слова: Экспо-2017; Астана; Национальный музей Республики Казахстан; выставка Арт Дала; современная живопись.

Olga Baturina Svetlana Gracheva

Kazakhstan and St Petersburg Аrtists:

Dialogues Through Space and Time

The article is devoted to the international painting and graphic arts exhibition "Art Dala: dialogues through Space and Time". It was located at the Kazakhstan National Museum in Astana in the framework of the EXP0-2017 cultural program, initiated and supported by the Ministry of Culture and Sport of the RK. The exhibition unified 100 pictures by 33 authors from 10 countries.

159

The range of the themes, conceptions, styles and artistic schools, as well as authors' geography is wide and diverse. The title of the exhibition is not accidental. It is intended as a discourse of polyphony of contemporary pictorial arts. The space of the national culture is limitless, alive, full of energy of creation. It preserves and continues cultural codes and archetypes of national consciousness.

Keywords: EXPO-2017; Astana; National Museum of Kazakhstan; Art Dala Exhibition; contemporary painting.

Проблема взаимодействия современных художников, как и взаимодействия разных культур в современном мире, с одной стороны, решается достаточно просто. Существуют различные семинары, конференции, выставки, симпозиумы, на которых мастера разных стран имеют возможность общаться друг с другом, показывать свои произведения. Средства массовой коммуникации и, конечно же, Интернет, помогают создать единое информационное пространство, сблизить людей. С другой стороны, виртуальная реальность не заменяет непосредственного общения, особенно это касается творческих людей. Необходимы живые контакты. Порой расстояния оказываются непреодолимыми и затруднительным становится общение между даже самыми близкими, родственными, некогда едиными культурами и народами. Активно интегрируясь в мировое культурное пространство, мы зачастую совершенно не замечаем того, что происходит совсем рядом, у наших ближайших соседей.

Одной из самых распространенных форм взаимодействия в сфере изобразительного искусства остаются выставки. Реальные, а не виртуальные выставки в наши дни связаны с большими, иногда огромными затратами средств и сил их устроителей. Тем важнее подобные акции. На одной из них хотелось бы остановиться подробнее. Это выставка «Арт Дала: диалоги в пространстве и времени», состоявшаяся в Астане в рамках Всемирной выставки Экспо-2017.

Традиция организации Всемирных выставок (Expo), демонстрирующих передовые достижения в области научно-технического прогресса, индустриализации и новейших технологий, -давняя, ей более полутора веков. Исторически сложилось, что

160

Экспо - это не только демонстрация промышленных достижений, но и открытие культур. Уже в одной из первых промышленных выставок - в Париже - принимали участие самые известные современные мастера искусств: архитекторы, живописцы, композиторы. Хрустальный дворец в Лондоне (1851), Эйфелева башня в Париже (1889), Атомиум в Брюсселе (1958) были построены специально для Экспо, но впоследствии стали символами этих столиц. Международные промышленные выставки не просто служили площадкой для демонстрации инновационных технологий, но были местом встреч различных культур. На Экспо 1937 г. в Париже Пабло Пикассо выставил свою «Гернику», Фернан Леже сделал монументальную декоративную стену «Передача энергии», а скульптура «Рабочий и колхозница» Веры Мухиной потрясла воображение современников необыкновенной мощью и грандиозностью воплощенного в новейших материалах замысла. Мировой опыт Экспо показал неограниченные ресурсы и потенциал такого формата выставок в области достижений науки и искусства.

Экспо в Астане - первая подобная выставка в странах СНГ и во всем Центрально-Азиатском регионе. Тема выставки 2017 г. -энергия будущего. Собственно, проблеме использования новых технологий в сфере добывания энергии и ее сохранения и были посвящены экспозиции павильонов всех государств-участников. Для проведения Экспо специально был построен уникальный выставочный комплекс, проект которого разработан в чикагском бюро Adrian Smith + Gordon Gill Architecture, специализирующемся на энергоэффективной архитектуре. Центр композиции - сферический стеклянный павильон Нур Алем диаметром восемьдесят метров. Он воплощает идею современной технологичной архитектуры, в нем есть и солнечные батареи, и ветровая установка, что позволяет самостоятельно обеспечивать себя энергией в условиях сурового резко-континентального климата [3]. Архитектура комплекса производит футуристическое впечатление и кажется совершенно невероятной в условиях постсоветского пространства. Экспо в Астане - это имиджевый проект, призванный прежде всего обозначить статус Казахстана как одного из лидеров региона

161

не только в области политики и экономики, но в области науки и культуры.

По сложившейся мировой традиции Экспо сопровождалось разнообразной культурной программой. Она стала максимально насыщенной и масштабной: более 6000 культурных событий за три месяца. В художественных проектах в пределах самого Экспо акцент был сделан на проблеме искусственного интеллекта и его использовании в жизни. Выставки на тему «Artists & Robots» проходили в Astana Contemporary Art Center (ACAC). Более традиционным формам изобразительного искусства была посвящена Международная художественная выставка «Арт Дала: диалоги в пространстве и времени», которая стала частью культурной программы Экспо Астана-2017. Она проводилась по инициативе и при поддержке Министерства культуры и спорта РК. В связи с высоким статусом этого культурного события для экспозиции была выбрана самая знаковая площадка страны - Национальный музей Республики Казахстан, который был основан в 2014 г.

Название «Арт Дала: диалоги в пространстве и времени» возникло не случайно. «Дала» в переводе с казахского языка - 'степь', но не в физическом смысле, а скорее в философском. Дала - это вселенная, ойкумена, сфера. И как пространство казахской степи не бывает одинаковым и однородным, так и мир современной живописи - максимально разнообразный и живой - предстает в этой выставке ярко и выпукло. Главной идеей выставки стало стремление проявить полифонию голосов современного казахстанского изобразительного искусства, его созвучие с зарубежными дискурсами. Образ времени предстает здесь не только на сюжетном уровне, но в самой глобальности ракурса бытийного осмысления. Выставка отразила все то лучшее, что есть в казахстанской и зарубежной живописи и графике сегодня, собрав произведения современных художников, чье творчество уже стало знаком времени.

Перед кураторами (авторами данной статьи) стояла непростая задача - в одном пространстве объединить произведения художников разных стран, поколений, направлений, представив их как художественный диалог поколений и пространств. Для экспозиции,

162

автором которой выступила А. Р. Акилбекова, было отобрано сто картин тридцати трех художников, чье творчество стало заметным явлением современного искусства каждой из десяти участвовавших стран (Казахстан, Россия, Украина, Узбекистан, Кыргызстан, Таджикистан, Азербайджан, Грузия, США, Италия). При этом учитывался не только высокий профессиональный уровень авторов, но и их связь с Востоком, Азией, иногда не явная, но иногда - прямая, генетическая.

Главным акцентом выставки стали две живописные работы: «Абстрактная композиция № 12» (ил. 1) Аскара Есдаулетова и «Смерть арбуза» Константина Грачева (ил. 3). Во-первых, это самые насыщенные и яркие по цвету произведения, во-вторых, обе картины большого размера, но самое главное - они обозначили широту стилистического диапазона всех остальных произведений, задали масштаб и вектор всей выставки. Казалось бы, работа Грачева - это монументальный реализм, а полотно Есдаулетова - абсолютная абстракция, но нечто общее между ними проявляется в особой силе цвета и обнаженности формы, в удивительной живописной убедительности, в той плотной энергии, которая ощущается явно, почти физически в пространстве каждого из этих произведений.

Аскар Есдаулетов - один из самых ярких современных казахстанских художников. Его можно назвать лидером поколения Независимости, активно ищущего в искусстве новые формы и смыслы. Процессы самоидентификации - национальной и личностной - вот, что определяет облик казахстанского искусства сегодня. В творчестве Есдаулетова соединяется традиционное и даже архетипиче-ское с современным и актуальным. Он много экспериментирует, занимаясь скульптурой и живописью. Каждая его картина - это современный миф, рожденный из глубин культурного кода национального сознания. А. Есдаулетов - потомок номадов, поэтому главной ценностью для него является свобода. Простор, беспредельное пространство - его жизненная необходимость.

На выставке «Арт Дала» представлены его работы «Пыль» (2016) (ил. 2) и «Абстрактная композиция № 12» (2017) (ил. 1). В первой работе предстают типичные черты творческого метода

163

Есдаулетова - крупный устойчивый почти квадратный формат, уплощенные фигуры и пространство, символическое условное понимание темы как метафоры, иносказательность и медитативность образов. Время и пространство в его картинах глобальны. Человек как элемент вечного вселенского орнамента неотделим от Неба-Тенгри и Земли-Умай. Традиционные представления о непознаваемости, целостности и вечности мира ощущаются в спокойном состоянии героев, пребывающих в едином непостижимом и прекрасном космосе. «Абстрактная композиция № 12» Есдаулетова является новым проявлением его метаязыка. Это монументальное произведение, которое собрано из отдельных небольших абстрактных полотен, с форсированным цветом и активным ритмом форм, линий, фактур. Каждая из этих частей абсолютно самостоятельна и живет своей жизнью. Это пиксельный, клиповый способ восприятия мира, но живописно преобразованный и потому рождающий тысячи ассоциаций - от времен года и суток до сложных личных чувств и переживаний. Художник освобождает живопись от оков конкретности и переводит ее в другой регистр - вечно изменяющихся живых впечатлений. По словам М. Мамардашвили, «все конечное несовершенно»; Есдаулетов знает это, чувствует и подтверждает в своей абстрактной живописи, потому что «конкретно мыслить можно только с помощью абстракции» [2].

Натюрморты Константина Грачева - большого размера и масштаба, выполнены в стилистике искусства мастеров «Бубнового валета». В этих работах лаконично изображенные предметы удивляют своей монументальностью, брутальностью и мощным внутренним динамизмом. Художник играет с пространством, словно «опрокидывая» его на нас, вовлекая в водоворот переживаний. В названии натюрморта «Смерть арбуза», с одной стороны, присутствует ирония, переходящая в некий сарказм современного человека, опрокидывающего традиционные ценности. С другой - в картине есть невероятная сила и красота самой живописи, с ее фактурностью, многослойностью, сочными красочными сочетаниями.

Екатерина Грачева бесспорно обладает монументальным мышлением, и прекрасная петербургская академическая школа

164

чувствуется в каждой ее работе. Она увлечена Италией, ее живописью, архитектурой, природой, кинематографом. Картины Грачевой выполнены не без влияния метафизической живописи. Философскими настроениями пронизаны ее венецианские пейзажи, представленные на выставке: «Ночь-1» (ил. 4) и «Ночь-П» , а также картина «Бархатный сезон» (все - 2009). В них есть ощущение одиночества человека, его потерянности в огромном мире, но присутствует и гармония этого мира, его целостность, красота, восхищение перед тайнами бытия. Екатерину волнуют экзистенциальные проблемы. И, безусловно, ее арт-дала может восприниматься в метафизическом плане.

Один из самых заметных современных петербургских художников, занимающихся всеми видами изобразительного искусства, Х. В. Савкуев родился в Казахстане, детство и юность провел в Кабардино-Балкарии. Творчество художника питается традициями Северного Кавказа. Обращаясь к его эпосу, истории, быту, Савкуев «всегда ощущает свои корни, помнит и знает, кто он и откуда», и работать ему «интересно над тем, что напрямую относится к его земле, его народу» [1]. Любые сюжеты он осмысливает через культуру своего народа. На выставке представлены работы художника из серии иллюстраций к повести В. Б. Ливанова «Агния, дочь Агнии», выполненные с монументальным размахом на огромных листах бумаги (200^100 см) (ил. 5). Даже сам размер этих произведений соотносится с эпическим настроением литературного текста, названного сказанием о скифах. Образы Агнии Рыжей, гордой и сильной зеленоглазой царицы скифского племени, пораженной стрелой, ее дочери Агнии, рожденной от чернокожего раба Нубийца, образы колдуна Деда Мая и других персонажей этого сказания, зримо воплощенные в графике Савкуева, являют мощь древнего народа, его невероятную духовную силу и красоту. Как и автор повести, художник стремится не столько к достоверности этнографических деталей, сколько к передаче страстей и чувств, общечеловеческих ценностей. Делает он это при помощи экспрессивного рисунка, основанного на глубочайшем понимании формы и желании постичь законы Природы.

165

Клим Ли - уроженец Узбекистана, кореец по национальности, наследник традиций русского искусства, академист по образованию, знаток европейских школ, в крови его - генетически унаследованные традиции разных культур. Однако он идентифицирует себя исключительно с русской культурой, считая себя носителем традиций петербургской художественной школы. В его творчестве сочетается восточная высочайшая графическая культура линии, восточное понимание пространства и времени и западное чувство формы. Петербург оказался для Клима местом пересечения западной и восточной художественных культур. В 2013 г. возникла серия монументальных графических портретов Клима Ли «Лики Тибета», над которой он трудится до сих пор. На огромных листах застыли в долгом молчании лики тибетских жителей - монахов, женщин, крестьян, выполненные быстрыми энергичными линиями, пятнами с растушевкой, по-скульптурному объемные, очень контрастные. Это лики-знаки, лики, быстротой росчерка руки художника напоминающие иероглифы. Формально-стилистические приемы, найденные в «Тибетской серии», К. Ли использует и в других произведениях, таких как «Лесоруб», «Старик». Последний из перечисленных лист относится к серии его иллюстраций к повести Э. Хемингуэя «Старик и море».

Творчество казахстанского мастера Гани Баянова созвучно музыке и поэзии, он устремляется к вечным и глубинным истинам, гармонии мироздания, которые обнаруживает подчас в простых вещах и обыденных моментах жизни. Созерцательность поэта и умудренность философа позволяют Баянову жить в собственном измерении, не размениваясь на суету повседневности. На выставке представлены его «Рубщики саксаула» (2014, вариант) и «Бегство в Ургенч» (2011) (ил. 6). Он уходит от конкретности и прямолинейной заданности сюжета в мир метафор и иносказания. Пространство его картин универсально и не ограничено конкретностью материального мира. Герои его произведений типизированы, они не принадлежат отдельной эпохе, но образуют единое целое с вечным универсумом Истории. Художник приподнимает зрителя над житейской суетой, позволяет приблизиться к пониманию основ

166

бытия и в полной мере ощутить красоту мира. Фигуры в его полотнах то призрачно-прозрачны, то чеканно-силуэтны, но никогда художник не позволяет себе небрежность или неточность в целом или деталях. Герои его картин с просветленными и слегка печальными лицами как будто погружены в мир своих переживаний, прислушиваясь к волшебным звукам. Плавные движения фигур в его композициях округлы и пластичны. В их силуэтах отблески степных легенд и сказок, наполненные пряным ароматом Востока. Даже в акварельных работах все держится на завершенности деталей: от маленькой, едва заметной мерцающей звездочки в сумеречном небосклоне, до сложного, тонко прописанного узора конской упряжи. Живописные работы Баянова семантически насыщенны, многозначны, содержат в себе много уровней религиозно-философского прочтения.

Несколько произведений на выставке трактуют тему «Арт Дала» именно как пространство самого искусства, как внутренний мир самих авторов. Безусловно, для мастеров из России Дала -это родные просторы. Известный петербургский монументалист Н. П. Фомин нередко обращается к образам знакомой ему с детства Псковской земли. Именно с этими заповедными местами связаны эпические пейзажи: «Весенний вечер» (2012), «В октябре» (2013), где в станковых формах живописи использованы приемы декоративно-монументального искусства. Художник достигает реалистической убедительности образов, трансформируя пространство своих холстов, утрируя формы и объемы изображений и используя диссонансные цветовые сочетания. В пейзажах Фомина захватывает чувство невероятного восторга мощью и силой Русской земли и красотой ее природы. В его картинах есть надежда на вечное возрождение - она прочитывается сквозь мощь огромного тяжелого неба, покрытого массивными тучами, серебряную гладь воды, безбрежных осенних лесов и полей.

«Чистый» пейзаж стал главной темой творчества еще одного петербургского мастера - А. В. Чувина. Его Дала - это образы Волги и Поволжья, к которым он обращается постоянно. В этих работах чувствуется некий «планетарный размах», как бы исходящий от

167

этой земли, от Genius loci. Пейзажи Чувина отличаются лиризмом выбранных мотивов в сочетании с лаконичностью изобразительных средств, монументальным размахом и чрезвычайно обобщенным характером композиционных построений, энергичностью линейных ритмов, декоративной яркостью и эмоциональным напряжением колорита. Чувин не стремится к излишней повествовательности, к тематическому или сюжетному разнообразию своих полотен. Как правило, на них изображеы бескрайние просторы родной земли, берега рек, озер, бесконечное глубокое небо, пастбища, деревеньки, «бегущие» по склонам холмов. И даже работы, созданные на основе впечатлений, полученных во время заграничных поездок, очень напоминают знакомые волжские или псковские виды.

Цветным реализмом называет свой метод Андрей Нода, использующий игру с формами и цветом, что приводит его к сложной семантической модуляции. Реальность чувств здесь выражается через осязаемость цвета больших динамических композиций. В условно-упрощенных, почти монументальных формах лиц, домов, облаков угадывается плотная ткань времени.

Абстракции Марата Бекеева - пульсирующие, яркие, светоносные, многослойные и сложные по цвету, чаще всего больших размеров - оставляют ощущение свободы и радости, небывалого душевного подъема и полета. Его гармоничная палитра освобождена от любых мрачных, темных оттенков. Это картины-медитации с почти суфийской созерцательностью и глубиной. Две любимые темы Марата Бекеева - «игра» и «письмо» - проявляют бесконечное богатство смыслов, стоящих по ту сторону видимых вещей. Его образы напоминают, что искусство - это мы, а мы - это время.

Поэтически-литературная канва живописных историй, рассказанных Вячеславом Люй-Ко и Шамилем Гулиевым, всегда связана со словом, с текстом, напрямую или косвенно отсылая нас к классическим или придуманным сюжетам. Чаще это вымышленные миры. Картины-загадки, картины-ребусы, сказочные, иронично тонкие, стилистически сложные и семантически насыщенные. Например, «Путь Абая» - произведение Ш. Гулиева, в котором среди мрака и бездны космоса открывается круглый бок

168

нашей Земли с узенькой полоской и знаком пешеходного перехода, в конце которого - статичная и монументальная фигура Абая как последнего оплота надежды на свет. Его же картина «Гора, идущая к Магомеду» - произведение анти-притча, в котором анимирован-ная (одушевленная, очеловеченная) гора, могучая и сильная, так стремительно и широко шагает, что в прямом смысле только «пятки сверкают». К этому же ряду можно отнести и «Хранителя сокровищ», и «Золотого человека», в которых сакральное становится профанным, обывательским, под стать нашему бюргерскому веку. «Золотой человек» - главный исторический и идеологический символ Казахстана, воин-царь из Иссыкского кургана - в творчестве Гулиева подменяется совсем другим образом. Золотой (в прямом смысле слова) человек - это круглый и смешной герой нашего времени, со всеми его приоритетами и ценностями: комфорта, власти, денег.

Музыкальность, поэтичность и элегичность как решающие черты живописных произведений Владимира Григорьяна проявляются на всех уровнях - от композиционной структуры до цветового и тонального строя. Он использует сложные колористические решения. Фигуры в его полотнах призрачно-прозрачны, воздушны, как и все пространство картин.

Живопись-импрессию, живопись-импровизацию, в которой живое впечатление от натуры соединяется с высоким профессиональным мастерством и умением передать любое природное состояние как личное внутреннее переживание, мы встречаем в творчестве Алексея Уткина, Евгения Фридлина и Татьяны Бари-новой. Ароматом древней истории наполнены графические произведения Нурлана Бажирова, Асемкула Бейбута, Жанат Кошен. В творчестве каждого из них возникает свой неповторимый образ родной земли. Драматический батальный ракурс почти былинных героев из глубины веков, всегда погруженных в битву, схватку, поединок, предстает в графических листах Нурлана Бажирова. Совсем по-другому проявляется историческая память в графике Асемкула Бейбута. Он пропускает ее через призму личных впечатлений, эмоциональных переживаний. Поэтому его образы

169

всегда теплые, по-домашнему уютные, что не мешает им быть графически точными и выразительными. Камерная декоративно-насыщенная графика Жанат Кошен рождает ассоциации образа Азии со сказочным раем.

Нуржан Саутбеков, преобразуя действительность в выразительные знаки и формулы, синтезируя натурное и декоративное, фокусируя свой взгляд на вечном и постоянном, на том, что не меняется, приближается к собственной живописной философии, выражая ее в «простом» формате натюрморта или в сюжетной композиции.

Павел Ковалев (Санкт-Петербург) много работает в сфере архитектурного дизайна. Он ищет красоту в чистой форме архитектурной конструкции, его листы, как и «Проуны» Лисицкого, имеют не столько прикладное значение, сколько завораживают полетом архитектурной и дизайнерской фантазии автора, уводя зрителя в сферу чистой абстракции. Богатый творческий диапазон Ковалева раскрывается также в ряде представленных офортов, украшающих знаменитое «Литературное кафе» на Невском проспекте, в них присутствует тонкая стилизация в духе мирискуснической эстетики начала ХХ в.

Олег Михайлов - молодой, но весьма успешный петербургский график. Его литографии отличаются высоким профессиональным уровнем и причастностью к академической школе. «Сон жены рыбака» - работа, построенная на архетипических образах: сидящая в лодке женщина, ожидающая ребенка, ее красное одеяние, парящие в небесах стаи огромных красных рыб, отражающийся в водах месяц, деревянные избы на берегу, - все это сплетается в единый ансамбль и создает удивительное ощущение целостности окружающего мира, его первозданности.

Самая молодая участница выставки Марьям Ералиева только что окончила КазНАИ имени Т. Жургенова. Ее живописный диптих «Красная книга Казахстана» изображает снежного барса. С одной стороны, это национальный символ, важный образ традиционной культуры, с другой - трагически исчезающий в природе вид. Именно поэтому одна половина диптиха - монохромная, а композиция

170

построена на противопоставлении декоративно-условного и объемно-реалистичного.

В экспозиции выставки были также представлены живописные произведения известных художников из других стран: США (Роза Алелашвили), Италии (Кармине Барбаро), Украины (Андрей Копчак), Грузии (Русудан Хизанишвили), Узбекистана (Сардор Аллабергенов и Анвар Бахтеев), Туркмении (Ованезмухамед Ма-метнуров), Киргизии (Джылдызбек Молдахматов), Азербайджана (Елена Ахвердиева).

Итак, на выставке «Арт Дала: диалоги в пространстве и времени» были собраны произведения художников нескольких поколений, объединенных главным качеством - высоким профессиональным уровнем. Космос национальной культуры, воспринятый нашим веком, безграничный и живой, полный энергии созидания, в котором сохраняются культурные коды и трансформируются привычные образы, наполнется новыми смыслами.

БИБЛИОГРАФИЯ

1. Кутейникова Н. С. Хамид Савкуев. Уроки жизни и композиции // Хамид Савкуев. Альбом. СПб., 2009. С. 5-15.

2. Мамардашвили М., Эйдельман Н. О добре и зле // Искусство кино. 2000. № 3. [URL]: https://www.google.kz/url?sa=t&rct=j&q=&esrc=s&source=web& cd=1&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwjT-8Lq1LXVAhUI0x0KHYamDd0QFg gkMAA&url=http%3A%2F%2Fkinoart.ru%2Farchive%2F2000%2F03%2Fn3-artide30&usg=AFQjCNFVkyqzeTxUjj-cyevMqtRLl-Wu6A (дата обращения 17.07.2017).

3. Шовская Т. Бизнес в степи: 7 мега-проектов Астаны. [URL]: https:// archi.ru/russia/70474/biznes-v-stepi-astana-kak-novoe-delovoe-prostranstvo (дата обращения 09.08.2017).

1. А. Есдаулетов. Абстрактная композиция № 12. 2017. Холст, масло 40^49. Одна из 12 частей. Собственность автора

172

2. А. Есдаулетов. Пыль. 2016. Холст, масло Собственность автора

173

3. К. В. Грачев. Смерть арбуза. 2009. Холст, масло 110^260. Собственность автора

174

4. Е. В. Грачева. Ночь-1. 2009. Холст, масло. 100x120 Собственность автора

175

5. Х. В. Савкуев. Иллюстрация к повести В. Б. Ливанова «Агния, дочь Агнии». Бумага, соус, сангина. 100*180 Собственность автора

176

6. Г. Баянов. Бегство в Ургенч. 2011. Бумага, акварель. 40x45 Собственность автора

7. В. Люй-Ко. Последний причал. 2014. Холст, масло. 100*150 Собственность автора

178