Мир пастели Текст научной статьи по специальности «Искусствоведение»

н. с. Кутейникова

Мир пастели

В статье рассматриваются особенности работы в пастели художников -педагогов и выпускников Института имени И. Е. Репина. Ключевые слова: сухая пастель; масляная пастель; портрет; пейзаж; бумага; мастерская монументальной живописи.

N. S. Kuteinikova

The World of Pastel

The author considers the particular features of pastel works in the creativity of pedagogues and graduates of the Repin Institute.

Key words: dry pastel; oil pastel; portrait; landscape; paper; monumental painting studio.

В России и за рубежом интерес к искусству пастели не был постоянным. Можно заметить, что обычно внимание к нему возрастало, когда распространялись идеи романтизма. Культ прекрасного, поиски особой эмоциональной выразительности, нового изобразительного языка - вновь и вновь возвращали художников к этому материалу. Уникален в этом отношении в России рубеж Х1Х-ХХ столетий. Это была удивительная эпоха экспериментов в искусстве. Левитан, Серов, Врубель, Борисов-Мусатов, Малютин и ряд других мастеров, кажется, заново открывают возможности пастели, разнообразие техник ее применения. Кроме традиционного жанра портрета художники активно начинают

обращаться к пейзажу и натюрморту. Тогда же намечаются дальнейшие пути развития пастели.

Начало следующего тысячелетия ознаменовано в России новым всплеском интереса к этому материалу. Об этом свидетельствует и хронология прошедших выставок: Российско-итальянская в Ярославле (2000), «Петербургская пастель» (Санкт-Петербург, 2002), «Академия пастели» (Кострома, 2003), «Искусство пастели» (Москва, 2004) и ряд других. Участниками некоторых из них стали выпускники, преподаватели и даже студенты Института имени И. Е. Репина Российской Академии художеств.

Заслуга в пробуждении интереса к пастели во 2-й половине ХХ в. на живописном факультете Института во многом принадлежит руководителю мастерской монументальной живописи А. А. Мыльникову. На первый взгляд может показаться странным, зачем он в начале 70-х гг. вводит в своей мастерской специальное задание - изображение обнаженной женской модель и портрета в пастели. Как оно может влиять на формирование художника-монументалиста? Однако это легко объясняют художественные пристрастия мастера, его постоянные поиски гармонии в живописи. Очевидно, что к началу 70-х гг. у самого художника уже сформировалась убежденность, что обнаженное женское тело и есть тот венец ПРЕКРАСНОГО, без которого мир существовать не может. Пастель явилась именно тем благодатным и одновременно благородным материалом, которому свойственна та особая красота, которую нельзя передать в другом материале. Обнаженная женская модель надолго становится постоянным семестровым заданием на 3 и 4 курсах. Кроме того, задание в пастели становится еще одним инструментом для воспитания художественного вкуса. А. А. Мыльников считал, что живописец-монументалист должен быть знаком с разными техниками, и графическими в том числе. «Пастель близка живописи, но здесь есть много дополнительных цветов, здесь не смешиваешь краски, а особое значение приобретает касание. Как делаешь касание, таков и художник», - замечал мастер. Сравнение работ некоторых выпускников мастерской монументальной живописи позволяет обратить внимание не только

на особенности индивидуальной художественной манеры каждого из них, но и на широкие возможности самой техники пастели, на разнообразие способов ее применения.

Юрий Калюта - один из ведущих педагогов Института имени И. Е. Репина, в пастели работает постоянно. Он буквально влюбился в эту технику еще на 3-м курсе. Как многие художники в России, он использовал сначала наждачную бумагу, чаще серого или красного цвета. И лишь появление бумаги зарубежного производства значительно расширило возможности художника и, конечно, повлияло на рождение того или иного художественного образа. Он пишет преимущественно на английской или голландской бумаге, нередко черного цвета, иногда оставляя не закрашенные места.

Интересной для художника оказался и тип бумаги «Балерина». Ручной работы, рыхлый по своей структуре, он предполагает возможность многослойного наложения красок. Однако эта бумага необычайно сложна в работе. Впрочем, именно сложность и возможность экспериментировать всегда привлекают этого художника, независимо от того, какой материал он использует.

Его творчество ограничено преимущественно жанром портрета, но и здесь есть присущая этому мастеру особенность: обычно героями живописных полотен и пастелей являются члены его семьи - жена и дети, наконец, он сам. Жанр портрета подразумевает работу с натуры, но, всматриваясь в произведения Ю. Калюты, замечаешь, что его интересует не только частное, конкретное, индивидуальное. Есть нечто общее, что объединяет его работы. Это общее определено спецификой стилевого начала, личной манерой самого художника. Он неоднократно замечал, что любит испанцев, русских мастеров: Фешина, Малевича, и непревзойденные пастели француза Дега. Конечно, перечень художественных пристрастий может быть расширен. Но и названные мастера свидетельствуют о приверженности художника к свободной живописной манере, активной роли цвета и света, особой изысканности рисунка, наконец, романтической интерпретации натуры. В художественном арсенале пастели это есть. Но есть и возможность добиваться

большей выразительности колористического решения, увеличить темп ведения работы. Художник никогда не делает подготовительные рисунки или наброски в пастели. Она никогда не исполняет роль вспомогательной техники. И в этом видится особый пиетет мастера перед материалом. До того, как он начнет работать в пастели - композиция портрета, «партитура» колорита, его настроение обычно уже хорошо продуманы.

Подобные сведения о «кухне» живописца могут навести на мысль о рационализме мастера. Однако встреча с работами это решительно опровергает. Они свидетельство большого живописного таланта и мастерства художника, эмоционального и решительного в интерпретации выбранной для портрета натуры. Особенность пастелей Ю. Калюты определяется не только и не столько их живописным строем. В каждой из них мы находим удивительное равновесие рисунка, цвета и света. Это равновесие вовсе не подразумевает равную «долю» того и другого. Оно свидетельство синтеза этих составляющих, в котором и рождается главное для художника - гармония и красота. Каждый, кто когда-либо обращается к образам балерин, обязательно вспоминает Дега. Не может не вспоминать. Трудно не попасть под обаяние его пастелей. Ю. Калюта, скорее всего, не прошел мимо них. Но интонация его работ более мягкая, более лирическая, хотя техническим приемам, которые использовал французский художник, он явно отдает предпочтение («Балерина», 2009). Это касается в первую очередь роли рисунка, штриха. Это заметно и в портрете сына «Миша. Моряк не плачет» (2009), в котором ясный и стремительный рисунок строит общую форму, а настроение рождает тонкое немногословие цветового решения. Необычайно выразительны в пастелях портреты жены художника - в китайской шляпе (1998), в красной шляпе (1998), а также изображение молодой женщины - «Флора» (2009). В этих работах ведущими становятся цвет и свет. Рисунок словно отступает на второй план. Но это лишь первое впечатление. За ним остается важная роль. В одной из своих статей, обращенных к студентам, Ю. Калюта замечает: «Рисунок должен быть легким, но уже передающим основные пропорции, характер портретируемого» [2; 18].

Все три работы говорят об особенностях композиционного мышления автора, о поисках каждый раз абсолютно нового решения, об умении увидеть и подчеркнуть в натуре частное и всеобщее, об особом эмоциональном напряжении самого автора в момент работы. Кажется, он буквально усмиряет свою фантазию и предлагает заинтересованно следить, как вспыхивают те или иные цвета, как появляется в столкновении света и цвета сама форма, как рождается сама КРАСОТА.

Большинство пастелей А. Чувина (сегодня он возглавляет факультет живописи в Институте имени И. Е. Репина) - это пейзажи. Их общий эмоциональный строй, так же, как и пастелей Ю. Калю-ты, романтичен, но эта романтика несколько иного свойства. Многим его пейзажам присущ эпический характер. Впрочем, это вообще особенность его художественного видения мира. Убеждают в этом и его живописные полотна [4]. Сам же метод работы в пастели заметно отличен от поисков Ю. Калюты.

А. Чувин пробовал работать в пастели в студенческие годы. Однако интерес появился значительно раньше - в 60-е, когда он еще учился в училище. Последние десять лет пастель занимает в его творчестве важное место. Сегодня он, как и многие наши соотечественники, преимущественно использует голландскую или французскую бумагу, каждый раз выбирая нужную фактуру и цвет. Сухая пастель оказалась созвучна его творческим интересам. Ее широкая цветовая гамма способна значительно обогатить колористический строй произведения, а жанр пейзажа требует именно этого. Цветовая вибрация, рожденная самой техникой, наполняет работы А. Чувина особым чувством благоговения, которое он сам постоянно испытывает к природе.

В его пейзажах нет явного ощущения присутствия рисунка. Кажется, что форму рождает лишь соотношение цветовых масс и, конечно, столкновение света и тени. Однако было бы неверным предполагать, что рисунок не играет для него никакой роли. В отличие от своего коллеги, А. Чувин делает много предварительных эскизов карандашом или фломастером. Эти наброски и эскизы - своеобразные путевые «заметки», которые он заносит

в небольшие альбомы во время или после своих прогулок и путешествий. Позднее эти своеобразные размышления на природе и о природе реализуются в пастелях и живописных полотнах. Можно сказать, что он буквально колдует цветными мелками, умело используя их «воздушность» или плотность. Цвет и тон бумаги, избранной художником, всегда принципиально важен. Нередко он оставляет их без изменения, умело вплетая в общую цветовую ткань произведения («Последний луч», 2009-2010). Любимые мотивы А. Чувина: озера, поля или зеленеющие поймы рек, уходящие за горизонт дали, рассветы и туманы, «жар» заходящего солнца или «мороз» укутанных снегом деревень. Многие пейзажи связаны с его любимой Волгой, где он родился и провел отроческие годы. Можно предположить, что именно она воспитала его как пейзажиста, наполнила тем особым чувством любви к природе, тем особым восхищением, которое всегда присутствует в его произведениях: «Овраги» (2005), «Гроза на Волге» (2009) и др.

Внимательно изучая природу, художник практически не работает на натуре. Скорее он получает лишь толчок от увиденного, чтобы потом передать в пейзажах не столько конкретность увиденного места, сколько те ощущения или настроения, которые возникают у него. Поэзия настроения, поэзия переживаний - вот главная цель, главная задача, которую решает художник в своих пастелях, как, впрочем, и в своих живописных полотнах.

Влияет ли работа в пастели на живопись художника? Безусловно! Нередко палитра картин Ю. Калюты складывается предварительно именно в пастели. Даже композиционные зарисовки и эскизы в своих путевых альбомах он часто исполняет в этом материале. Пастель открывает дополнительные возможности для живописных поисков: можно одну и ту же композицию писать в разной тональности, соотнося ее со временем суток. И еще - пастель располагает к задумчивости и нежной лирике, но в ней есть еще одно важное качество, которое очень ценит А. Чувин: «момент обобщения». К этому стремится художник и в живописи. Стремится и достигает - его живописные полотна и пастели лиричны, романтичны

и одновременно, повторим еще раз, почти всегда поэтически эпичны. Но ведь именно такими качествами наделена и сама Природа! Их прекрасно удавалось передавать корифеям русского пейзажа - Ф. Васильеву, Г. Сороке, А. Куинджи, И. Левитану. Их произведения - своеобразные маяки, которые убеждают мастера, что он сам движется в правильном направлении.

Уже 2-й год (2009-2010) Сергей Репин, возглавив одну из двух мастерских монументальной живописи, следует практике своего учителя А. А. Мыльникова. В качестве семестрового задания он также предлагает студентам работу в пастели, утверждая, что художники-монументалисты должны владеть различными материалами. Кроме того, работа в пастели, в силу ее специфики, обогащает ощущения самой масляной живописи. Он рассматривает роль пастели в учебном процессе как своеобразный тренинг, как материал, который приучает работать в малом размере, развивает вкус, не терпит грубость форм и снижает агрессию. В контексте современного искусства, буквально перенасыщенного китчем, последнее приобретает особую ценность.

Сам С. Репин начал постоянно работать в пастели лишь несколько лет тому назад. Он использует масляную японскую или голландскую пастель, предпочитая фирму Фабриан. По мнению художника, масляная пастель удобна в работе: «Ее можно стереть, соскоблить ножом, втереть». Для него так же, как и для всех па-стелистов, необычайно важна фактура бумаги. Сегодня С. Репин не часто пишет с натуры, однако природный талант, профессиональный опыт, цепкая память и художественная фантазия позволяют увиденное запечатлевать в пейзажах, натюрмортах и портретах. Все чаще в путешествиях он использует пастель, продолжая позднее, уже в живописных полотнах, разрабатывать найденные композиции. Не случайно художник и в пастелях пишет плотно, практически не разделяя поиски живописного строя в пастелях и картинах. Это найденное и прочувствованное возможное родство их декоративного строя и делает для С. Репина пастель столь притягательной. Она привлекает художника своей универсальностью, тем, что ближе всего к живописи, а еще тем, что это

«безусловно, позитивный материал», который всегда вызывает у него «позитивные ощущения». «Лодки на берегу» (2006), «Утро. Туман» (2007), «Первый снег» (2006) - пастели, которые, как и многие картины С. Репина, написанные маслом, раскрывают его лирическое дарование. Эти ничем не примечательные сюжеты напоминают о неиссякаемой красоте мира Божия, красоте, в которой мы живем, но часто не замечаем... В этом и есть талант художника - увидеть и запечатлеть: как все устроено в этом мире. Как все устроено прекрасно. [4]

Екатерина Грачева - художник творческой мастерской В. А. Мыльниковой. Она начала делать пастели еще на 2-м курсе во время летней практики. Уже тогда пастель становится ее любимым материалом. Позднее - в мастерской монументальной живописи А. А. Мыльников всячески поддерживал это увлечение и даже предлагал выполнять дипломную работу в этом материале. Используя сухую французскую, голландскую или немецкую пастель, Е. Грачева работает преимущественно на французской бумаге. Подбирая листы, художник заметила, что принципиально важно решить заранее, на каком фоне лучше писать. Нередко темное хорошо писать на светлом, и наоборот. Вообще в пастели хорошо чувствуется и работает тон. В этом плане сравнивать пастель и живопись (масло) нельзя. Кроме того, общий фон работы во многом задает лист бумаги, его цвет. Подобно «раскладке» колеров, художник перед началом работы определяет необходимое количество и состав мелков. Она никогда не смешивает цвета, и метод их наложения напоминает «пуантилизм». В отличие от многих ее коллег, для Е. Грачевой работа на пленэре необычайна важна. Она может несколько раз возвращаться на одно и то же место ради того, чтобы попытаться передать меняющееся состояние света и цвета. В своей работе она идет от ощущений, которые «фиксирует» не в рисунке, а в объемах, и роль тона здесь принципиально важна. Ее привлекают различные световые эффекты: лучи заходящего солнца или яркий свет полудня. Несмотря на приверженность натуре, пейзажи Е. Грачевой не напоминают этюды, настолько в них всегда продумана композиция.

У нее есть любимые мотивы, любимые формы деревьев или кустов, поляны... Кажется, они манят к себе и обещают что-то необычное, таинственное, может быть, сказочное. И хотя сегодня художник стремится работать в больших размерах, их интимный, камерный характер остается («Последний луч», 2007; «Сумерки», 2006; «Отражение», 2008 и др.). Е. Грачева, безусловно, учитывает опыт работы в пастели наших великих мастеров. Но это ни в коем случае не цитаты, это поиски и нахождение того уровня переживаний, ощущений, которые были свойственны ее любимым художникам - Левитану, Поленову, Васильеву, др. Не только природа России (художник каждое лето работает в нижегородской деревне), но и места, давно облюбованные за рубежом туристами, находят себя в ее пастелях. Однако ракурс ее художественного видения самостоятелен, и давно известные (избитые) мотивы находят в лице Е. Грачевой своего умного, интеллигентного и одновременно лирического интерпретатора (серия каналов в Венеции и др.). Поиски новых композиций приводят художника к созданию серии пастелей «Дома мира», в которых натурное начало наполняется символическим звучанием [1].

Е. Грачева не устает повторять, какую важную роль сыграл А. Мыльников в том, что многие из его учеников увлеклись пастелью. Интересными казались не только постановки, но и то, как он иногда поправлял живопись именно пастелью, как он постоянно напоминал о роли тона в художественном строе произведения. Нередко, когда А. Мыльников бывал за рубежом, он привозил своим воспитанникам пастель, прививая им вкус к хорошим, качественным материалам, всячески стараясь пробудить интерес к ним, поощряя в учениках дух экспериментаторства. Сегодня пастель в качестве специальных заданий в Институте успешно практикуют его ученики, ныне педагоги С. Репин, Ю. Калюта.

Художественные возможности этого материала многообразны, и каждый может в нем проявить и развить разные стороны своего дарования. Личный опыт С. Репина, А. Чувина, Ю. Калюты, Е. Грачевой и ряда других педагогов-живописцев Института имени И. Е. Репина убеждают в этом.

БИБЛИОГРАФИЯ

1. Константин Грачев. Екатерина Грачева. [Китай], 2010.

2. Калюта Ю. Основные закономерности развития портретной живописи // Преемственность и новаторство. Ляонин [Китай] : Худож. изд-во, 2001. С. 17-20.

3. Кутейникова Н. Творчество Сергея Репина // Петербургские искусствоведческие тетради. Вып. 15. СПб., 2009. С. 95-109.

4. Кутейникова Н. С., Резницкая О. А. Пейзажи Александра Чувина // Проблемы развития отечественного искусства : Сб. науч. трудов Института имени И. Е. Репина. Вып. 12. СПб., 2010. С. 172-180.